Antonio Vivaldi
Antonio
Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de1741), fue un compositor y músico
del Barroco tardío.
Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su
maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más
importante de su época.
E Compuso
unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es
especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos
para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del
ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione",
tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto
Soli, establecido por el mismo Vivaldi.
Sin
embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín
en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un
relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de
la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y,
sobre todo, de Bach, De esta manera, con la forma musical de los Concerto
Soli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse
el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio
perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de
tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un
diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y
acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a
veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta
(el ripieno).
. Su
producción fue numerosísima. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones
vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones
instrumentales, en su mayoría conciertos. Los más conocidos son los doce que
componen Il cimento dell´ Armonia e dell´ Invenzione (1725).
Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Cuatro estaciones: nº 1 en
mi mayor, La primavera; nº 2 en sol menor, El verano;
nº 3 en fa mayor, El otoño y nº 4 en fa menor, El
invierno.
Música
religiosa como el oratorio Judith triumphans (1716), el Gloria
en re (1708), misas y motetes. Sus sonatas instrumentales son más conservadoras
que sus conciertos y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico
de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en
los conciertos. Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más
joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de los
conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen las transcripciones
(en su mayor parte para clavecín) de Bach.
El Ryom-Verzeichnis o catálogo Ryom es
un importante catálogo de las obras de Vivaldi. Otros catálogos son los
de Fanna, Pincherle y Ricordi.
Sobre
su biografía :
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un
seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue ordenado
subdiácono (4 de abril), luego diácono (18 de septiembre de 1700)
y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la
música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se dispensara de decir
misa por razones de salud.
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro
grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura
paterna:
La primera fue la de la adquisición de una fama
europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el
editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de
dos Opus de
sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el
mismo instrumento: L'estro armonico en 1711,
seguido de La Stravaganza en 1714.
Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Giuseppe Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal
que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus Opus en Londres y París.
La segunda etapa
fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas
fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas
de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba
dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue
nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la
enseñanza de la viola all’ inglese. Su función
era la docencia y adquisición de ciertos instrumentos para sus alumnas y la
dirección de la orquesta de aquella institución, que albergaba un famoso coro
que reunía al conjunto de internas intérpretes.
La tercera etapa
fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en
la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría
siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, Ottone in Villa, su primera ópera conocida, seguida de una auténtica
conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños
teatros de Sant'Angelo y San Moisè. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes,
que imponían el stile nuovoatacando frontalmente al stile antico elogiado por los
conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia
veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas. Por aquellas
fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la
voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos.
La
cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada
como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y
lucrativos con una red de clientes y mecenas.
Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de
conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la
música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y
la música religiosa.
Desde los exóticos concerti da
camera, compuestos para la corte de
Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, además de otras
decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece
contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos
que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el
poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber
consolidado la estructura del concierto como género.
Algunas de sus obras.. aqui para
que las escuches...
La mas conocida:
Operas:
Arsilda, regina di Ponto, RV 700 (1716 Venecia)
Conciertos:
Opus 3, L'estro armonico, 12
conciertos para diversas combinaciones. Los más conocidos son el n.º 6 para
violín en la menor, el n.º 8 para 2 violines en la menor, y el n.º 10 para 4
violines en si menor (1711).
Opus 8, Il cimento dell'armonia e dell'invenzione
John Milton
Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 - Nueva York, 12 de agosto de 1992)
fue un compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical,poeta, artista, pintor,
aficionado a la micología y a su
vez recolector de setas estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos
musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de
posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores
estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna,
principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham.
Entre sus maestros estuvieron Henry Cowell (1933)
y Arnold Schoenberg (1933–35),
ambos conocidos por sus innovaciones radicales en la música, pero la principal
influencia sobre el trabajo de Cage se encuentra en diferentes culturas
orientales. A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a
finales de los años 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o música controlada por azar, que
comenzó a componer en 1951. El I Ching,
un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes, se convirtió en la
herramienta compositiva habitual de Cage durante el resto de su vida.
Cage es conocido principalmente por su composición de 4′33″, tres movimientos que se interpretan sin tocar una
sola nota. Otra famosa creación de Cage es elpiano preparado, para el que escribió numerosas obras
relacionadas con la danza y varias piezas para concierto.
Primeros trabajos, estructura rítmica y nuevos
acercamientos a la armonía
Las primeras piezas completas de
Cage se han perdido. De acuerdo al compositor, sus primeros trabajos eran
piezas muy cortas para piano, compuestas utilizando complejos procedimientos
matemáticos y a las que les faltaba "atractivo sensual y poder expresivo". Cage comenzó entonces a producir piezas
improvisando y escribiendo después el resultado, hasta que Richard Buhligle
remarcó la importancia de la estructura. La mayor parte de los trabajos de los
primeros años 1930 son altamente cromáticos y
traicionan el interés de Cage en el contrapunto.
Pronto
después, Cage comenzó a escribir música percusiva y música para danza moderna,
utilizando una técnica que colocaba la estructura rítmica de la pieza al frente
de la misma. Las proporciones utilizadas, denominadas por Cage
"proporciones anidadas", se convirtieron en una característica
regular de su música durante los años 1940. La técnica fue elevada a una gran
complejidad en piezas posteriores.
Hacia finales de los años 1940, Cage empezó a desarrollar
diferentes métodos para romper con la armonía tradicional. Por ejemplo, su obra String Quartet
in Four Parts (1950)
fue compuesta mediante un número de gamas o acordes con una instrumentación
fija. La pieza progresa de una gama a otra. En cada ocasión, esa gama se selecciona en función de si
contiene la nota necesaria para la melodía, de modo que el resto de notas no
forman ninguna armonía direccional. Su Concerto
for prepared piano (1950–51)
utilizaba un sistema de tablas de duración, dinámicas, melodías, etc., de las
cuales Cage escogía utilizando patrones geométricos simples.
Azar
.svg?uselang=es)
.svg){kind=small}
La adivinación del I Ching requiere obtener un hexagrama por generación al
azar para después leer un capítulo asociado con ese hexagrama.
Junto con las proporciones
anidadas, Cage comenzó a utilizar sistemas de tablas para diferentes trabajos
de piano, como Music of Changes (1951),
donde el material era seleccionado exclusivamente de tablas utilizando el I Ching.
Improvisación
Al utilizar procesos de azar con el objeto de eliminar
los gustos del compositor o intérprete de la música, el desinterés de Cage por
el concepto de improvisación era patente, una forma de trabajo inevitablemente
unida a las preferencias del intérprete. No obstante, en toda una serie de
trabajos desde los años 1970 el compositor encontró la forma de incorporar la
improvisación.
Recepción e influencia
Las obras anteriores a la etapa del azar de Cage,
particularmente las piezas de finales de los años 1940 como Sonatas e
Interludios, le granjearon una considerable aclamación de la crítica,
llegando a interpretarse las Sonatas en el Carnegie
Hall en 1949. Sin embargo, la adopción por Cage de las operaciones de azar
en 1951 le costaron un buen número de enemistades, y provocaron numerosas
críticas de otros compositores. Adherentes
del serialismo como Pierre Boulez y Karlheinz
Stockhausendescartaron la música indeterminada. Prominentes críticos del
serialismo, como el compositor griego Iannis Xenakis, fueron igualmente
hostiles hacia Cage.
Si bien buena parte de la obra de Cage sigue siendo
controvertida, su influencia se deja sentir en innumerables compositores,
artistas y escritores. Tras la introducción del azar por Cage, Boulez,
Stockhausen y Xenakis se mantuvieron críticos, si bien llegaron a adoptar los
procesos azarosos en alguna de sus obras (aunque de manera mucho más
restringida). Otros compositores que adoptaron algunos de los elementos de este
enfoque incluyen a compositores como Witold Lutosławski o Mauricio Kagel.
Los experimentos de Cage con estructuras rítmicas y su
interés en el sonido influyeron sobre un número aún mayor de compositores,
comenzando por compañeros cercanos en Estados Unidos como Morton
Feldman y Christian Wolff (y otros compositores estadounidenses
como La Monte Young), y extendiéndose después a Europa. Prácticamente
todos los compositores de la escuela experimental inglesa reconocen su
influencia, estando entre ellos Michael Parsons, Christopher
Hobbs, John White, Gavin Bryars, quien estudió bajo la tutela de Cage
brevemente, e incluso Howard Skempton,un compositor aparentemente muy
diferente de Cage. La influencia de Cage también es evidente en el Lejano
Oriente. Uno de los compositores clásicos más prominentes del siglo
XX, Tōru Takemitsu, estuvo influido por su música.
La influencia de Cage también ha sido reconocida por grupos
de rock como Sonic Youth y Stereolab. Otros
músicos bajo su influencia son el compositor de rock y guitarrista de
jazz Frank Zappa, así como diferentes grupos y artistas de
música noise. En realidad, se ha llegado a afirmar que el origen de este
tipo de música está en la obra de Cage 4′33". El
desarrollo de la música electrónica también estuvo influenciado por
Cage: hacia mediados de los años 1970 el sello Obscure Records de Brian
Eno publicó diferentes obras de Cage.El piano preparado, que fue
popularizado por Cage, es utilizado profusamente en el disco Drukqs publicado
por Aphex Twin en 2001. El trabajo de Cage como musicólogo
contribuyó a popularizar la música de Erik Satie, y su amistad con
artistas expresionistas
abstractos
- Fontana Mix (1958)
